Quemar antes de ver

En entradas anteriores hemos hablado de recomendaciones de películas muy conocidas y, a excepción de alguna de ellas, la gran mayoría ya se presentaron al público como un auténtico bombazo. Sin embargo, el marketing y la presencia de actores conocidos no son lo suficiente para una buena película. Actualmente, vivimos en una sociedad de la imagen y los actores que no son más que meras piezas de marketing, se han convertido en el principal elemento de la película. Se ha perdido la esencial inicial: la historia. Así, todavía hay alguna película por ahí rodando que por mucho que esté dirigida por un buen director, interpretada por los mejores actores y una campaña de marketing prominente, si la película es mala será rechazada por el público.

Esta entrada será una crítica para la película Quemar después de leer que tuvo una campaña de Marketing, incluso sustentada por los medios, muy buena, pero que luego la película dejaba mucho que desear.

Los famosos hermanos Coen, Brad Pitt y Gerorge Cloney intentan destacar con clave de humor esa época en la que la Guerra Fría originó tal panorama de tensión y se hizo tan presente la idea del enemigo en casa que es suficiente para justificar el espionaje a todo ciudadano sospechoso.

Sinopsis

Una empleada de un gimnasio obsesionada con la cirugía y un compañero poco avispado se encuentran un CD con importante información de la CIA. Sin conocer que se trata de una propiedad muy importante para uno de los organismos mas relevantes en EEUU, deciden pedir un rescate por la información. Ello les conducirá inevitablemente a un cruce de caminos continuo con un trágico final para cada uno de ellos.

Así, este reparto de lujo, con su director de lujo y su Marketing a bombo y platillo nos presenta una película en la que abundan gran cantidad de personajes relacionados con el espionaje en la época de la Guerra Fría, cuyos nombres son desconocidos para la gran mayoría de los ciudadanos españoles (yo me incluyo) y una historía demasiado forzada. Los hermanos Coen deberían de haber hecho caso al titular de la película y haber quemado el guión después de leerlo.

Ficha:

Año: 2008

Recomendación: quemarla antes de verla.

Mi mamá me mima y asesina

Cada vez más, en las noticias, se reproducen las historias más macabras jamás contadas, provocadas por la última persona en la que pensamos, o ni tan siquiera se nos hubiera venido a la cabeza que lo hubiera hecho. Así, es normal ver a la típica o típico vecino en bata sorprendido y expectante por todo lo que ocurre a su alrededor y con la famosa frase de “si parecía una familia normal” se ve detrás de él o ella la furgoneta de una empresa fúnebre para llevarse a uno de los miembros asesinados. Miles de casos se descubren cada día en cualquier parte del mundo y es que cómo dice el famoso dicho, no todo es lo que parece. Lo que parece mentira es que en pleno siglo XXI, en el cuál supuestamente hemos visto de todo, nos sigan llamando la atención. La crueldad con los que algunos se llevan a cabo, hace que la opinión pública se levante en contra de este tipo de criminales.

Si a esto le añadimos la tendencia durante los años 80 del cine gore en EEUU puede surgir una película del todo macabra con una chispa de humor y crítica. Dicho lo dicho, allá por 1994 se estrena una película demasiado macabra e increíble pero narrada con un gran toque de humor ácido y a la vez que se reflejan en ella las escenas más grotescas y muchas veces las más asquerosas, despiertan en nosotros las carcajadas más sonoras. Por eso esta entrada va dedicada a la película Los asesinatos de mamá.

Sinopsis

En un barrio perfecto, en una casa perfecta, vive la familia Stuphin, que por si no lo habías adivinado, es la familia perfecta compuesta por su mujer perfecta, su marido e hijos perfectos. A la familia todo le va perfectamente hasta que empiezan a surgir extraños acontecimientos en el barrio y uno de los investigadores parece sospechar de la perfecta mujer Stuphin.

Dirigida por un crítico americano que se dedicaba a realizar comics subiditos de tono, intenta realizar una fuerte crítica a la tendencia de idolatrar a la familia perfecta americana, cuando todos los prototipos familiares se alejan, y mucho, de ese perfeccionismo exagerado.

Ficha.
Año 1994
A ver para pasar un buen rato aunque en ocasiones puede resultar excesivamente asquerosa.

¿derecho o prohibición?

La polémica ley de plazos sobre el aborto que pretende aprobar el gobierno español está trayendo más de un dolor de cabeza a la sociedad. Actualmente, el aborto como tal, está prohibido aunque se admiten tres supuestos: un embarazo a causa de una violación, si puede llevar a un riesgo físico al feto o si por el contrario, puede ir en contra de la salud física o psicológica de la madre. Excepto en el último supuesto, los dos primeros tienen un plazo máximo para llevarlo a cabo 12 y 22 semanas respectivamente.

En el caso en que se aprobará la nueva ley de plazos, las mujeres pueden interrumpir el embarazo sin aducir ningún motivo antes de una fecha determinada y se permitiría abortar a menores de 16 años sin el consentimiento de los padres o tutores.

Tema polémico y controvertido donde los haya, puesto que lo que en realidad se cuestiona es sobre la necesidad de la aprobación de una nueva ley, y más importante, si se puede considerar un feto de escasas semanas un ser humano, puesto que estaríamos entrando en el ámbito de lo inconstitucional. La esfera de la vida pública y privada converge sin dejar el mínimo resquicio de luz que las delimite.

Por eso, esta entrada me gustaría dedicarla a una película en la que se cuestiona todo ello desde un punto de vista de moral y tomando una perspectiva nueva que son la del médico y la futura madre.

Sinopsis.

A grandes pinceladas la historia gira en torno a Homer Wells, un chico que vive en un orfanato y que aprende junto al director del centro, Dr. Larch, la labor de la medicina. Sin embargo, no sólo es un orfanato, sino que en él se practican abortos de la manera más profesional posible. Con la llegada de una joven que acude a abortar junto a su novio, la vida de Homer da un giro radical cuestionando, incluso, las expectativas de su mentor.

Así me gustaría hacer hincapié en un caso que aparece a lo largo de la película: al centro acude una joven que expresa su deseo de abortar y a la que Homer le da largas, a las semanas aparece desangrada y en estado crítico en el jardín del centro. Larch recrimina la actitud que mostró Homer por no querer atender a la chica, puesto que muere tras serle practicado un aborto en condiciones denigrantes.
Aunque aparecen varios casos, me gustaría destacar este, por que en verdad hace preguntarnos si la ley del aborto es necesaria a fin de evitar casos como estos o por el contrario es considerado un mero método anticonceptivo como recriminan muchas asociaciones.

Ficha.
Año 1999
Interesante y aporta una nueva visión sobre esta realidad.

claridad en la oscuridad

Actualmente la gran mayoría de las películas son adaptaciones de novela a la gran pantalla, tal es el caso como El curioso caso de Benjamín Button o El código da Vinci. Pero una adaptación de este tipo no es tan complicada, y al fin y al cabo, la novela y el cine van juntas de la mano. Ambas permiten escenarios abiertos, paisajes al exterior y un gran número de actores; la única gran diferencia es que en el cine todo pasa delante de nuestros ojos y la imaginación apenas tiene cabida.

Sin embargo, las adaptaciones del teatro al cine son mucho más complejas. El teatro suele ser de duración más corto ya que la acción va directa al grano, no requiere de una contextualización y permite una rigidez en los escenarios. Las adaptaciones del teatro al cine suelen tener el vicio de caer en el vicio de varios metros de rollos de películas. Por eso me gustaría dedicar esta entrada de blog a la película Sola en la oscuridad, ya que su adaptación a la gran pantalla me parece muy acertada y se encuentra en su justa medida, sin necesidad de despreciar rollo y tiempo en la contextualización.

Sinopsis.

Una joven, Susy, que desde hace poco tiempo sufre ceguera intenta ser engañada por tres delincuentes que quieren recuperar una muñeca que se encuentra en el piso que esta comparte con su novio. Al parecer, el novio, Sam Hendrix, recibió la muñeca en el aeropuerto de manos de una joven que huía de alguien que la perseguía.

Así, la película nos muestra como esta joven, papel interpretado por la famosa Audrey Herpburn, es capaz de desenvolvérselas ella sola para descubrir la dinámica de mentiras en la que se ve en vuelta de manos de los delincuentes y como a través de su ingenio intentará deshacerse de ellos.

Ficha.

Año: 1967

A destacar: la escena final del pañuelo en la que el director juega no sólo con la protagonista, sino también con el espectador.

A ver si te gusta la intriga y las películas con cierto aire hitchconiano.

Las pruebas no mienten, los testigos sí

En ocasiones, las cosas si que son lo que parecen, pero desgraciadamente queriendo hacer la máxima aquella de las cosas no son lo que parecen, nos metemos indudablemente en el error. Actualmente, la justicia española esta siendo cuestionada por nada más y nada menos que por una panda de veinteañeros, que quién sabe si por cuestión de suerte o premeditadamente, cambian constantemente su versión por la desaparición de Marta del Castillo. Jugar con una muerte simplemente por el hecho de salir de salir impune o recibir una recompensa a cambio me parece lo más rastrero que puede llegar el ser humano. Sin embargo, yo no estoy aquí para juzgar a nadie, y hasta que la justicia no se pronuncie, no habrá un culpable. Pero como dicen en una popular serie: las pruebas no mienten, los testigos sí.

Pero si en algo me recuerda el presunto asesino es al personaje Leonard Vole de la película de Billy Wilder Testigo de cargo. Se sirve de la mentira y de la interpretación de otros para salir impune, sin embargo siempre hay un detalle que falta y tarde o temprano la verdad saldrá a la luz.

Sinopsis

Leonard Vole es acusado del asesinato de una vieja millonaria que en los últimos momentos de su vida deja, en herencia, toda su fortuna al joven. Pero el famoso sir Wilfrid Roberts cree en su inocencia y decide defenderlo aunque no sea aconsejable para su salud.

Ficha:

Año: 1957

A destacar: El papel de Dietrich, sublime.

A ver en todos los sentidos si eres un apasionado de las películas antiguas y de giros inesperados.

Desde fuera todo se ve mejor

Está claro, para saber apreciar lo que uno tiene es necesario mirarlo desde fuera. Desde el exterior. Sin la dichosa subjetividad de la que todos huimos, tanto los errores como las virtudes se van con muchísima claridad. ¡Ay! Cuanto daríamos por ver todo aquello que nos hace especiales y cambiar nuestros defectos. En fin, pero es necesario que venga alguien de fuera y nos muestre lo que en el extranjero se ve de nosotros, de los españoles. Porque siempre nos asombra que seamos uno de los principales destinos del Turismo, que nuestro arte se encuentre en las mejores galerías del mundo, que nuestro cine se estrene en las principales salas; porque no, no sólo tenemos tapas y fiesta, tenemos mucho más. El problema es que para nosotros los detalles más minúsculos que nos hacen especiales pasan desapercibidos y es a través de los ojos, o en este caso de la cámara, de un extranjero con talento como Woody Allen lo que nos permite ver el atractivo de la cultura española.

Por eso, esta entrada va dedicada a la oscarizada y famosísima película Vicky Cristina Barcelona; y claro esta al papel que interpreta Penélope Cruz, Maria Elena, y a demostrarnos que es capaz de valer para algo más que salir sentada en el váter o a tirarse a medio reparto, por mucho que Pedro Almodóvar se empeñe.

Sinopsis.

Dos amigas americanas, Vicky y Cristina, deciden visitar Barcelona y coinciden con Juan Antonio, interpretado por Javier Bardem, un joven liberal quién siente una atracción por ambas chicas. Ambas son muy diferentes, pero se enamoran de Juan Antonio. Sin embargo, Cristina empieza una relación con él y es entonces cuando aparece María Elena, ex de Juan Antonio, una mujer atormentada y todavía enamorada de Juan Antonio.

La película es un ir y venir, donde las historias de amor se entrecruzan y enredan para finalmente volver al punto de partida.

Ficha.

Año: 2008

A destacar: La forma en que se refleja la cultura española, de manera artística e impulsiva; con una mentalidad abierta frente a los prejuicios de la mentalidad norteamericana.

Comentario:

• Magnífica interpretación de Penélope Cruz en su papel como Maria Elena, pero gracias a la dirección de Woody Allen.

• También me gustaría hacer hincapié en la música, refleja la esencia de Woody Allen y de la película.

París, París

La gran mayoría de nosotros recordamos con cariño la escena de Verano azul con su famoso No nos moverán o, ya en la vida real, aquella famosa amenaza de encadenarse contra la tala. Y es que son las movilizaciones multitudinarias las que recordamos con más cariño y más aún, si se consigue lo que uno se propone. Sin embargo, no todo siempre se consigue a la primera y el triunfo en ocasiones lleva la guinda amarga del fracaso, y son la perseverancia y la constancia aquel condicionamiento que logran endulzar nuestras acciones.

Por eso, esta entrada va dedicada a la película París, París (Faubourg 36); ya que nos demuestra estos ideales y aunque el error se cruce por nuestro camino, no es lo suficientemente fuerte como para anular el esfuerzo diario de haber conseguido nuestros objetivos sin ningún tipo de ayuda.

Sinopsis.

En el suburbio 36, en pleno periodo de entreguerras, el distrito 36 de París esta dominado por Galapiat, algo así como el padrino del barrio, quién posee un pequeño teatro, El Chansonia, en donde confluyen los sueños de un grupo de amigos. Uno de ellos, Pigoil, se propone hacer del Chansonia su modo de vida y trabajo, para así lograr la custodia de su hijo Jojo. La llegada de Douce y su preciosa voz traen la esperanza al Chansonia, sin embargo la suerte no estará del todo de su parte.

Con un reparto muy parecido al de Los chicos del coro, la película París, París consigue atraer la atención durante sus casi dos horas de duración. Y es que el cine francés está de moda y películas como Amelie o Los chicos de coro lo certifican. Hollywood va perdiendo poco a poco su hegemonía en el séptimo arte y se comienzan abrir alternativas muy interesantes, tales como el cine español, francés o el famoso Bollywood del cine Indio. Europa reclama lo que es suyo y es que los grandes fundadores del cine, los hermanos Lumiere, o Melies con su famoso Viaje a la Luna o el magnifico Charles Chaplin son todos de nacionalidad europea. Ya no esta de moda las grandes producciones con increíbles efectos especiales que muestran acontecimientos surrealistas, sino un cine mucho más elaborado, donde son las pequeñas historias realistas las que tienen cabida. Es un cine mucho más mecánico, por así decirlo, mucho más elaborado donde la interpretación adquiere mayor sentido, haciendo el máximo hincapié en los sentimientos de los personajes y en la historia en sí.

Ficha.

Fecha: 2009.

A destacar: La cercanía de los personajes y las historias que el pequeño Chansonia refleja.

A ver en todos los sentidos.